2024年“薪技艺”国际工艺美术巡展通过物质性、实验性与艺术性三个核心维度，系统展示了当代工艺美术的文化价值与社会功能。展览不仅集中呈现了16个国家的顶尖工艺美术成就，还深入探索了工艺美术在全球化与数字化背景下的创新实践与文化意义。文章围绕展览的策展理念，从材料的文化内涵、技术与观念的实验性探索，以及艺术性在叙事与哲学上的双重表现展开论述。同时，探讨了工艺美术在社会美育中的独特价值，特别是其作为手工参与性艺术的角色转型。研究发现，当代工艺美术通过超越传统功能性与审美性，实现了从文化符号到社会实践的多重转变，为艺术与社会互动提供了全新路径，也为现代文化生产与人文关怀注入了新的活力。由清华大学艺术学院、中国工艺美术学会、国家大剧院、安徽艺术学院共同主办的2024国家艺术基金传播交流推广资助项目“薪技艺”国际工艺美术巡展，于2024年9月和11月分别在国家大剧院和安徽艺术学院美术馆隆重展出。本次展览汇集了来自16个国家的272件陶瓷、金属、玻璃、纤维及漆艺作品，涵盖了传统与当代工艺美术创作的广泛领域。展览特别设置了三个主题展区，分别从物质性、实验性和艺术性三个维度系统呈现了当代工艺美术的核心特征。作为一场高规格的国际化艺术盛会，“薪技艺”巡展不仅集中展示了全球范围内顶尖工艺美术作品，还深刻验证了工艺美术在社会发展和文化传承中的重要价值，为其创新实践与当代语境下的价值挖掘提供了全新的学术视角与分析框架。自2015年以来，“薪技艺”国际工艺美术展已在北京、上海、东京、孟加拉、长春、合肥等地成功举办七届，并始终坚持“薪火相传”的主题理念。展览以挖掘和推广全球工艺美术精髓为核心使命，通过形式多样的作品展示与文化活动，不断推动国际间的艺术交流与合作，同时加深公众对传统工艺美术的认知与尊重。2024年的“薪技艺”巡展以更加鲜明的策展主题与多样化的艺术实践为全球观众带来了一场兼具视觉震撼与思想深度的艺术盛宴，再次彰显了工艺美术在当代文化语境中的地位与影响。
在全球化、技术变革与市场变化交织的当下，当代工艺美术面临着新的挑战与机遇。从工业革命以来，机械化与规模化生产逐渐取代传统手工艺，导致许多传统工艺形态退化为功能性弱化的装饰符号。然而，伴随文化多样性与生态伦理在当代社会中的高度重视，工艺美术作为人类文化物质化表达的角色得到了新的审视与定义。2024年“薪技艺”展览策划理念正是在这一时代背景下应运而生。策展团队通过构建以物质性、实验性和艺术性为核心的分析框架，提出了一条从传统技艺到现代创意、从功能实践到哲学表达的递进式学术路径。展览从材料的文化符号到技术的跨界实验，再到艺术语言的哲学维度，全面呈现了工艺美术在全球化语境中重塑文化身份、拓展社会价值的复杂进程，为探讨工艺美术的当代性与未来发展提供了重要启示。物质性构成了工艺美术的本体论根基。“薪技艺”展览的首展区“材料之韵，万物有灵”集中探讨了材料本质及其文化意涵。在传统工艺美术领域，材料不仅是作品的构成要素，更承载着文化符号的职能，其挑选与加工过程反映了对自然界的敬畏以及对文化的深刻理解。以宋代陶瓷为例，其强调“釉色正”与“器型规整”，这一理念得到了充分的体现。然而，现代工艺打破了传统物质性的界限，借助数字等先进技术，材料已转变为不仅是形式表达的媒介，更是文化叙述和社会反思的媒介。在展览中，部分作品通过媒介的跨界创新性融合，拓展了材料的表现潜能，使观众体验到自然与人文的融合与和谐之美。实验性是工艺美术从物质性向艺术性转变的关键因素。在第二展区的“工艺之华，匠心独运”主题下，通过技术与实验观念的双重探索，揭示了美术如何跨越传统界限，进入一个全新的表达维度。在传统工艺的传承中，技艺的传递主要以精确复制为宗旨，而实验性则以突破既定框架为本质。例如，金属艺术家在创作过程中融入激光切割、参数化设计等现代技术手段，将传统错金银工艺与现代设计语言相融合，从而实现了形式语言的创新。这种技术与概念的结合，不仅拓展了工艺美术的表现范畴，也赋予了其更加深刻的社会叙事与哲学思考，使工艺美术成为连接传统与未来的桥梁。工艺美术在当代语境下的文化叙述，其艺术性是实现文化深度表达的最高形式。第三展区“艺术之魂·心灵镜像”聚焦于展示工艺美术如何通过形式、情感与观念的融合，达到哲学层面的深刻阐释。在这一过程中，艺术家借助叙述性与观念性的创作手法，突破了传统功能与形式的限制，深入探讨了个体与社会、自然与技术之间的复杂关系。例如，作品运用深邃的艺术语言对社会与哲学议题作出回应，促使工艺美术从单一的物质生产关系转变为多维度的文化生产实践。展区内的作品不仅反映了艺术家对时代和社会的敏锐洞察，同时也展现了工艺美术在全球化背景下所承载的文化身份与价值认同。展览分区布局以物质性为起点，通过实验性实践探索传统工艺的潜在可能性，最终在艺术性中达成文化叙述与哲学的提升。该策展逻辑揭示了当代艺术工艺从基础到提升的内在演变路径，突显了工艺美术在文化全球化与技术革新中的多重角色。"薪技艺"展览依托于系统化的学术框架与展示实践，为当代工艺美术研究提供了创新的理论视角与实践模式。与此同时，本次策展理念不仅展示了当代工艺美术在文化全球化与技术革新中的多重作用，还强化了社会美育与文化认同的功能。通过展览中的作品，观众不仅能够领略到技艺的精湛，还能体验到工艺美术在社会美育中的独特作用。文化内涵与精湛工艺的展现，使工艺美术的教育功能得以实现，通过历史的审视感受艺术的魅力，观众能够更深入地理解艺术所承载的文化。这种文化表达激发了人们对工艺品自身文化的认同与珍视，使艺术成为连接传统与现代的重要纽带，为社会服务。美育与文化认同注入了新的活力。"薪技艺"不仅推动了工艺美术的全球化和肯定发展，也为文化认可和艺术创新开辟了新的空间。二、当代工艺美术的物质性：材料的文化哲学与审美表达自其诞生之初，工艺美术便与材料的物质属性紧密相连。材料不仅是艺术家与自然界、社会进行交流的媒介，更是承载工艺美术作品美学价值与功能性的重要载体。明代科学家宋应星在其著作《天工开物》中提出：“物自天生，工开于人。”此观点强调了手工劳动在赋予材料艺术生命力中的核心地位，并揭示了材料在中国传统工艺美术中所承载的文化象征与哲学意义。在材料的运用上，中国传统工艺美术不仅体现了对自然的尊重，而且反映了特定历史和文化背景下的精神追求。以宋代青瓷为例，其釉色的淡雅与形态的简约，彰显了追求“天人合一”哲学境界的美学追求。在制作过程中，工匠通过对火候的精确控制及窑变的巧妙运用，不仅赋予了材料自然之美，还实现了人与自然和谐共生的哲学理念。在当代工艺美术领域，材料的物质属性已从传统技艺中技术承载的角色转变为对文化符号与哲学理念的深入探究。艺术家们不再将材料视作单纯的技术工具，而是通过对其物理特性的重新诠释，使材料成为传递社会意义和人文关怀的关键载体。这种对物质性的重构，导致材料在审美和文化两个维度上得到了新的定义。材料的质感、色彩、重量等物理特性被转化为艺术家思想与情感表达的媒介。以纤维艺术家王雷的《文化中国-大汉》为例，该作品采用《英汉辞海》作为创作元素，通过传统服饰的形态重塑文化记忆，揭示了材料作为历史记忆和观念再生的潜力。其创作手法不仅突出了材料的感性美学特质，也为其赋予了丰富的社会语境。同样，美国纤维艺术家李美京在作品《黄色的森林》中，通过绳索结构的运用，以麻花扭结的方式创造出一种有机的艺术语言。材料的物理属性和日常性被激活，并通过文化叙述的培养，赋予了其独特的艺术魅力。这种创作方式不仅使观众重新认识材料的本质，也激发了对人与自然关系的哲学性反思。王雷，《文化中国 - 大汉》材质：《英汉辞海》纸搓线及编织尺寸：183cm×183cm创作时间：2019 年
李美京（MiKyoung Lee，韩 / 美），《黄色的森林》材质：塑料绞扎带尺寸：1200cm×300cm×4cm创作时间：2016 年
在当代工艺美术领域，物质性的现代重构亦体现在传统材料与技术的融合之中。材料的再创造过程通常伴随着技术的革新，成为时代演进的象征。以张宝华的《竹韵》为例，该作品通过将竹材与化学纤维的结合，运用复杂的染色技术，展现了自然材料与人工材料的交融，进而实现了视觉与照明效果的周期性动态变化。而玻璃艺术家萧泰的《珊海15》则利用催化剂技术，将玻璃的透明度与易碎性转化为光影组合的哲学性思考，激发了观众对自然界变化的深刻反思。日本艺术家佐佐木雅浩的《摇曳#2303》则通过吹制玻璃与喷砂技术，将肌肤的脆弱性与力量感具象化，拓展了材料的表达能力，揭示了物质与精神之间的复杂联系。这些作品通过技术的更新，不仅赋予了材料全新的视觉形态，更赋予了其社会与文化意义，使得传统工艺美术的物质性在现代语境中得以重生。此外，在陶瓷艺术领域，材料的文化象征意义也得到了进一步的深化。黄山的作品《汉风·列传》系列之《疾风》通过陶瓷材料的现代化表达与传统技艺的结合，体现了士人精神的融合。艺术家对泥料的发色与落灰效果的深入挖掘，不仅展现了传统陶瓷的美学特质，还通过材料的物理变化揭示了文化记忆的深层含义。这种对传统材料文化内涵的现代阐释，构建了工艺美术与当代文化之间新的桥梁。张宝华，《竹韵》材质：麻和化学纤维交织面料尺寸：148cm×145cm创作时间：2010 年
萧泰，《珊海 15》材质：玻璃尺寸：45cm×38cm×21cm创作时间：2023 年
佐佐木雅浩（Sasaki Masahiro，日），《摇曳 #2303》材质：玻璃尺寸：37cm×37cm×47cm创作时间：2023 年
黄山，《汉风·列传》系列之《疾风》材质：陶瓷、木头尺寸：90cm×70cm创作时间：2021 年
尤为关键的是，当代工艺美术借助材料的多义性进行探索，在艺术家、观众与作品之间建立了更为丰富的感官联系。材料的温度、质地与重量成为情感与审美之间联系的关键纽带。张唯的《溶》系列作品通过羊毛纤维与湿毡工艺的融合，戏剧性地展现了自然景观中重力与柔软之间的张力，激发了观众对自然与生命深刻的现代性思考。刁娟的《粉色的光》则通过亚克力与夜光线的结合，将传统元素与材料技术相融合，以光影变化的展现方式，探索了视觉的瞬时性与材料实验性及装备性，创造了简单的承载物质，成为情感联结与哲学探讨的重要媒介。此外，陶瓷艺术家吴昊宇在《新石器2018 NO.2》中以自然形态为灵感，通过陶瓷材料的塑形与釉色控制，实现了对原始艺术风格的现代诠释。作品展现了古朴与现代交融的审美风格，揭示了材料在时空流转中的文化演变。这种感官体验与哲学思辨的互动，使得材料不再是单一的意识形态载体，而是成为了连接个体与社会、历史与未来的桥梁。张唯，《溶》系列 2材质；羊毛毡尺寸：150cm×13cm，120cm×10cm 不等
创作时间：2023 年
刁娟，《粉色的光》材质：亚克力、荧光线尺寸：500cm×100cm，500cm×150m
创作时间：2023 年
吴昊宇，《新石器 2018 NO.2》材质：陶瓷尺寸：38cm×45cm×50cm创作时间：2017 年
材料作为承载文化记忆与哲学思考的介质，其物质属性在现代社会语境中被赋予了显著的社会意义。本次“薪技艺”第一展区展示了材料如何成为艺术家与观众之间文化交流的桥梁。从传统工艺美术对材料自然属性的尊重，到当代艺术哲学对材料深层意义的挖掘，物质性一直是工艺美术创作的核心议题。这一过程不仅记录了材料与技术的演进，也反映了人类对自然态度与文化反思的变迁。作为“薪技艺”展览的核心主题，通过对物质语言的积累与哲学思考的引入，将工艺美术从单纯的物质性生产转化为具有文化深度与社会价值的综合性实践，进一步确立了材料在当代艺术创作中的核心地位。三、当代工艺美术的实验性：技术创新与概念重构的双重维度在本次“薪技艺”的第二展区“技艺之华，匠心独运”中，以实验性为核心，集中展示了具有创新意义的当代工艺美术作品。这些作品在观念、技术和形式上均突破了传统工艺美术的界限，实现了工艺美术在语境中的间歇转换与价值的当下体现。第二展区的策展理念强调，通过实验性实践，当代美术从传统文化传承迈向动态的文化生产范式，实现了艺术语言与社会意义的多维度拓展。技术实验性构成了当代工艺美术的关键特征之一，其主要表现在对传统工艺的重新诠释以及新兴技术的跨领域融合。传统工艺美术以严格规范的工艺传承为核心，强调对细节的精确控制和材料性能的最优化应用。以中国金属工艺中的错金银技术法和陶瓷烧制中的温度控制技术为例，这些技术均基于过往经验的积累，形成了精密的工艺体系。然而，这种基于一定规范的稳定性也限制了工艺创新的拓展。当代工艺美术通过技术实验性的实践，将传统工艺置于跨领域的动态语境中，赋予其多元的可能性和全新的生命力。在第二展区中，日本漆画家小椋范彦的《割贝莳绘饰盒「杜鹃」》以桧木为基底，辅以麻布裱糊，通过割贝技法与莳绘工艺，展现了杜鹃花图案的精致肌理。该作品不仅弘扬了现代日本传统漆艺的超工艺，而且通过自然纹理实现了传统美学的创新性转化。法国艺术家文森·漆的作品《无题》则以米袋为漆胎，结合金箔绘画和粉笔素描，突破了传统漆艺的界限，探索了漆器在非传统语境中的表现潜力。技术实验性在新创意的引入中展现了巨大的创新空间，不仅承载了传统工艺的文化意涵，还拓展了其形式语言。小椋范彦（OGURA Norihiko，日），《割贝莳绘饰盒「杜鹃」 Shell Maki-e Decorative Box "Azalea" 》
材质：大漆、桧木、金银粉、白蝶贝
尺寸：28.5cm×13.5cm×14cm
创作时间：2022 年
文森·漆（Vincent CAZENEUVE，法），《无题 untitled》材质：大漆、黄麻米袋、粉笔、金箔、银箔、木架尺寸：89cm×74cm×5cm创作时间：2024 年
并且，跨界融合是技术实验性的核心表现之一。例如，英国金属艺术家简·亚当的《大橙叶项链》通过深入的实验性处理，拓展了金属材料的色彩表现力，而美国纤维艺术家马克·纽博特的《修复2》则以辫子和缝补代替传统的精致手工辫子，通过粗犷的针脚修改伤口愈合的视觉效果。这些作品在对材料和技术的实验中，重新定义了工艺美术的可能性。王石竹的作品《漫步寰宇》更是技术实验性的杰出代表。作品以莫比乌斯环的连续形体为灵感，结合参数化设计与3D打印技术，构建出无正反面、空间无边界的几何体主体结构。主体材料采用钛合金，并结合珍珠镶嵌与传统错金银工艺，实现了技术精度与艺术表现的高度统一。作品不仅隐喻了传统与现代、科技与艺术的共生关系，也探索了工艺美术在新语境中的形式与功能融合。简·亚当（Jane Adam，英），《大橙叶项链》材质：阳极氧化铝尺寸：15cm×15cm×1cm创作时间：2019 年
马克·纽博特（Mark Newport，美），《Amends2》材质：在羊毛上刺绣和缝补
尺寸：100cm×220cm创作时间：2018 年
王石竹，《漫步寰宇》材质：钛合金、黄铜、银、金、珍珠尺寸：25cm×22cm×1.5cm（1 件）（项链），7cm×3cm×1cm（2 件）（耳饰），7cm×3cm×1.5cm（1 件）（胸针）创作时间：2024 年
观念实验性构成了当代工艺美术与传统工艺美术相区分的关键特征。传统工艺美术往往以固定形式承载文化符号，强调历史的传承与文化认同。相对而言，当代工艺美术通过符号形式的解构与重构，将静态的文化遗存转化为动态的文化工具，从而促进了社会、哲学与文化的多维探讨。周尚仪的《传奇》以礼器“鼎”为原型，通过几何化设计与“四神”图腾的现代诠释，展现了观念实验性在传统文化重塑中的巨大潜力。该作品通过白银与乌木的材质结合，以及传统铸造与现代锻制工艺的融合，为“鼎”这一传统文化符号赋予了新的叙述可能性。《传奇》不仅是一件礼器，更是对历史符号的解构与文化身份的重构。再如英国金属艺术家大卫·克拉克的《整容》将英国传统金属器皿横刀切开，作品似乎在通过后现代主义的语意转化破坏传统文化这种观念实验性的实践，推动美术工艺在文化上得到社会认可。白月的陶瓷作品《痕》系列三运用绞胎技法，将布与泥相结合，创造出柔软与细腻的对比效果，探索了时间与存在的哲学议题。作品中柔软的布料象征生命的脆弱与短暂，而烧制后的坚硬则确立了永恒与坚韧的象征意义。从柔软到坚硬的转变，不仅在材质上展现了显著的创新，更在观念上探讨了传统符号与当代哲学思潮的对话。周尚仪，《传奇》材质：银、檀木尺寸：30cm×20cm×20cm（2 件）创作时间：2017 年
大卫·克拉克（David Clarke，英），《整容》材质：锡、漆尺寸：50cm×40cm
创作时间：2017 年
白月，《痕》系列三材质 ：陶瓷尺寸：40cm×40cm×5cm（每件）创作时间：2021 年
实验性实践还通过新媒体技术与传统符号的融合，通过工艺美术的文化表现力进一步延伸。韩国艺术家金钟玉的《模块—城市》以纺织与数字技术相结合，六边形模块的动态展示，模糊了虚拟与现实的边界。作品利用数字化手段对传统纺织工艺进行再创作，不仅增强了观众的参与感，也为传统工艺注入了数字化时代的新内涵。王韫的《Vortex 陶瓷音乐播放器》通过手工陶瓷、传感器与音乐的结合，将传统材料与现代科技融汇。作品通过多感官体验，突破了传统工艺的功能局限，重新定义了工艺美术在当代生活中的文化角色。宋瑞雪的《花溆寂境》将竹编工艺与电机装置相结合，通过交互技术实现了人与自然的动态关系。作品不仅呈现了传统工艺的细腻之美，还通过现代技术探索了人与环境的动态关系。这些作品在实验性手法中反映了当代社会的复杂性，进一步凸显了工艺美术在文化生产中的必然意义。金钟玉（Jongock Kim，韩），《模块 _ 城市》材质：皮革、不锈钢尺寸：80cm×120cm创作时间：2024 年
王韫，《Vortex 陶瓷触觉音乐播放器》材质：亚克力、陶瓷、电子元器件尺寸：80cm（直径）×20cm（厚度）创作时间：2021 年
宋瑞雪，《花溆寂境》材质：竹、金属、亚克力尺寸 : 可变创作时间 :2023 年
当代工艺美术的实验性实践，既突破了传统工艺的技术框架，又延续并丰富了其在文化记载与社会意义中的多维角色。这种实验性不仅是技术革新与观念创新的产物，更是在全球化与数字化背景下对文化身份与社会价值的重新定义。从文化维度来看，实验性创作赋予工艺美术更大的开放性与流动性，使传统符号在新的历史语境中焕发出多义性与创造力；从社会维度出发，实验性实践则凸显了工艺美术在技术伦理、社会关系与生态关注中的文化生产能力，成为探讨未来文化机制的重要切入点。“薪技艺”展览通过系统性的策展实践，不仅汇聚了全球范围内传统工艺的实验性转化成果，还通过技术与观念的深度交融，提出了全新的学术范式。展览中的艺术创作，通过解构与重构传统符号体系，从生活美学与社会关怀的角度切入，不断挑战工艺美术的功能与形式边界，将传统的物质生产转化为兼具文化内涵与社会意义的再生产实践，深化了工艺美术的文化角色与社会功能。实验性创作重新定义了工艺美术的形式逻辑，同时以技术革新与观念拓展为动力，引领了层次化的文化反思与社会批判。尤其在全球化与数字化语境中，实验性实践展现了工艺美术对现代技术的深刻适应力与开拓能力。作为“薪技艺”展览的重要表达维度，实验性系统性地将技术、观念与形式融合在当代工艺美术语境中，注入了多元文化意涵与实践活力，并为文化生产与社会表达提供了坚实的学术支点和理论依据。然而，实验性实践并非艺术探索的终极目标，而是迈向更高层次艺术性的关键路径。通过技术创新与观念变革，实验性为工艺美术的形式自由与哲学深度奠定了基础。正是在这种实验性基础上，当代工艺美术得以超越形式上的繁复创新，迈向情感与观念的深层表达。实验性的开放性与动态性为艺术性提供了精准的技术支持与概念框架，使工艺美术摆脱功能性与技术性的束缚，以更深刻的方式反映复杂社会文化现象，并回应当代人文关怀的核心问题。这一维度的开拓，不仅丰富了工艺美术的内涵与外延，也为其未来发展提供了无限可能性与深远意义。四、当代工艺美术的艺术性：文化叙述与哲学探讨的双重路径艺术性是实验性发展的自然延展，是当代工艺美术从功能性、实用性过渡到情感性与观念性的关键路径。它在物质性和实验性的基础上，直接面向情感、观念与哲学的复杂维度。“薪技艺”第三展区“艺术之魂，心灵镜像”，通过对一系列情感叙述与文化表达的作品的展示，传达了工艺美术如何从传统的实用功能跃升为文化与社会载体，在超越物质性与实验性之后所具备的精神深度。通过阐释工艺美术如何在叙述性、观念性与批判性中实现文化反思与哲学探讨，不仅希望引导观众感受工艺美术作品的审美力量与艺术深度，更试图回答一个更为核心的问题 ：当代工艺美术如何在复杂多变的社会文化环境中，作为文化叙事的载体实现其艺术性的延展与升华?在传统工艺美术中，艺术性主要体现在对形式美感与工艺技艺的追求。而在当代工艺美术中，艺术性不仅是视觉愉悦的构建，更是文化叙述、表达与哲学思辨的深度体现。全球化与数字化的语境催生了文化交融与语言更新的需求，而艺术性实践正是对这些复杂文化现象的深度体现。艺术性在当代工艺美术中的一个显著表现，是其作为文化叙事的载体，通过重新界定传统符号和挖掘材料语言，展开对社会与文化现象的深刻探讨。在第三展区内遴选了一系列反映这一特征的作品。例如，李季炎的玻璃艺术作品《瓶中境 · 青云晓梦》以中国传统园林中的太湖石为灵感，通过欧洲玻璃内封工艺，将雕刻的玻璃景观安置在透明瓶内。透明玻璃材料的特性赋予了作品空间深邃的视觉效果，而内部雕刻的精细性则凸显了传统文化符号的精髓。通过将传统文化元素安放到新的文化场景中，艺术家为这一经典符号注入了当代的审美意涵，同时也展示了文化间的对话可能性。李季炎,《瓶中境·青云晓梦》材质：玻璃尺寸：10cm×10cm×45cm创作时间：2021 年
与李季炎作品的精细叙述不同，邱洁的纤维作品《青丝·裳 / 鬓雪·衣》通过头发这一日常材料，探索个人身份、时间流逝与生命变迁的主题。其设计灵感源自李白《将进酒》中的名句 ：“君不见，高堂明镜悲白发，朝如青丝暮成雪。”在这里，头发被赋予了非凡的意义，它不仅是身体的一部分，更是身体唯一的叙事载体，承载着个人的年龄、身份、种族等多重信息。作品通过头发创造出“第二层皮肤”，象征个人生命状况的变化，暗喻了生命从青春到老的自然历程，同时也映射了当下社会中个体身份的不断演变。这种情感叙述通过材料的视觉冲击力直击观众内在，使之不再局限于形式美的艺术表现，而成为个体经验与文化记忆的纽带。金巍的玻璃作品《“凝固”的 1921》纪念了 1921 年中共一大的历史时刻。作品利用玻璃材质的独特性和红色象征革命的火焰，展现了中国共产党坚定的信仰和精神。观众通过作品能感受到那段历史的激情，并理解艺术与历史的结合，作品成为连接过去与现在的桥梁。邱洁,《青丝·裳 / 鬓雪·衣》材质：头发尺寸：200cm×200cm×5cm创作时间：2022 年
金巍,《“凝固”的1921》材质：玻璃尺寸：80cm×20cm×40cm创作时间：2023年
与传统工艺美术标志象征性符号的固定表达方式不同，当代工艺美术在文化叙述中引入了更多观念化的表达方式，赋予传统符号以动态的叙述功能。另一件具有同样叙事性的作品是方丽雯的《正在消逝的……》。艺术家通过陶瓷与贝壳的结合，动态表现了自然危机。作品表面因钙元素烧制过程中产生的偶发性蓝绿色斑块，象征了海洋的美丽与神秘 ；而随着时间的流逝，泥片上的贝壳逐渐剥落，隐喻了环境被破坏的不可逆性。这种动态变化的设计，将观众引入对人与自然关系的深刻反思，使作品成为一件种隐喻性的社会批评语言。作品中的陶瓷与贝壳，不仅仅是物质材料的堆砌，而是共同构建了一个关于生态危机与文化反思的叙事空间。这种叙事方式超越了传统工艺美术的静态展示，通过材料的动态变化与时间的流逝，引导观众思考人类与自然的关系，以及我们在保护环境中的责任与角色。方丽雯,《正在消逝的……》材质：陶瓷尺寸：32cm×29cm×35cm创作时间：2023 年
综上所述，当代工艺美术在文化叙述中引入观念化的表达方式，不仅丰富了传统符号的叙述功能，更赋予了作品以深刻的社会意义与文化价值。艺术性不仅是形式与情感的表达，更是对生命、时间与存在意义的深刻哲学探讨。如果文化叙述是在传统与现代之间架起桥梁，哲学探讨则深入到工艺美术如何通过艺术形式，探索人类存在的本质以及人与自然、技术、社会之间的关系。在“薪技艺”展览的核心部分——“艺术之魂，心灵镜像”展区中，这种哲学性通过情感的表达与观念的传递得以彰显，展现了当代工艺美术如何在文化叙述与哲学追问之间找到交汇点。首先，通过对材料与技术的重新审视，将工艺美术的语言从传统文化意象的再现，扩展为个体审美情感与哲学思辨的表达媒介。程向军的作品《西部的回想》是这一方向的重要案例。艺术家利用漆、纤维、石粉等多元材料，通过独特的肌理与构图语言，构建了具有高度个性化的视觉效果。这种画面语言既呈现了漆工艺的光泽感，又通过石粉的粗粝质感传递出时间与空间的交错感，仿佛一种文化记忆的凝结。作品不仅表达了对中国传统文化的深厚情感，更通过对材料与技术的重新定义，反映了艺术家对当代工艺美术哲学意义的深刻理解。程向军通过系统的实践与反思，突破了传统漆工艺的“唯美”束缚，将其转化为具有现代绘画自由表现力的艺术形式，开创了一种以哲学思考为核心的漆画实践。程向军,《西部的回想》材质：大漆、灰、苎麻、木板尺寸：122cm×165cm创作时间：2015 年
同样具有哲学深度的还有张思秋的作品《蚕语》。这件作品以花丝工艺为核心，通过蚕与茧的形态，隐喻生命的孕育与循环。茧状结构既象征了个体生命的脆弱与孤独，也暗示了社会秩序与文明发展的复杂关系。艺术家通过对材料特性的敏锐感知，将花丝工艺从单纯的装饰性表达提升为对生命哲学的反思。作品以茧为视觉语言，超越了时间与空间的限制，构建了一个内在张力丰富的文化叙述场域，促进了观者思考个体与社会之间的深刻关联。吴帆的纤维作品《节气系列》是一组表现中国农耕文化的纤维艺术作品，运用种子、花、叶以及枝等形态表达大自然中植物在季节变换中的主要特征，借以传达出生命更迭的不同阶段的意义。作品运用传统的手工艺技法，旨在唤醒人们对于生命的关注与尊重。关东海的作品《永远的珍藏》通过独特的玻璃脱蜡铸造技术，将青花瓷碗永久地封存在玻璃笼子之中，作品意图隐喻人们对与自己所钟爱的事物的独占欲望。同样，邹锋的作品《映射与交互》利用玻璃材质这一特殊的媒介语言，以抽象的形态探讨了内外空间的转换和对立，隐喻了时间和空间转换的不确定性。张思秋，《蚕语》材质：纯银尺寸：5cm×4cm×2cm（戒指），3cm×1.5cm×1.5cm（胸针），10.5cm×2cm×3cm（胸针），7cm×5cm×3cm（胸针），5.5cm×5.5cm×2.5cm（胸针），15.5cm×4cm×4cm（胸针），6cm×6cm×2.5cm（吊坠）创作时间：2023 年
吴帆,《节气》材质：棉线尺寸：110cm×110cm×30cm（4 件）创作时间：2013 年
关东海,《永远的珍藏》材质：玻璃、陶瓷尺寸：26.5cm×26.5cm×23cm创作时间：2024年
邹锋,《映射与交互》材质：玻璃尺寸：57cm×27cm×30cm创作时间：2022年
哲学探讨还表现在对自然与技术关系的再思考上。例如，戴翔的作品《故事鸟 咖啡壶》通过仿生设计，将鸟类展翅的姿态与器物的功能结合起来，探索自然与技术的动态平衡。壶嘴、壶身与壶把的连贯设计不仅在形式上实现了自然之美与技术精度的统一，更通过仿生形态隐喻了自然与技术之间的和谐关系。作品超越了传统功能性器物的框架，回应了现代社会对自然与技术关系的哲学关切。在形式美感之外，这种设计语言还唤起了观者对技术伦理与自然保护的更深层次思考。戴翔,《故事鸟 咖啡壶》材质：纯银、胡桃尺寸：21cm×18cm×17cm创作时间：2023 年
最后，这种哲学性探讨延伸至传统文化与现代科技之间的辩证关系。严政秋的作品《OVERUSED》以提梁壶的传统造型为基础，通过夸张变形与像素化处理，探索了传统工艺在现代语境中的再生与延续。作品不仅通过形态的戏剧性变化，表现了时间与文化的冲突与融合，还通过像素化的视觉语言，引发了观者对数字化时代文化符号转译的哲学思考。严政秋，《OVERUSED》材质：紫铜、银尺寸：20cm×25cm×40cm创作时间：2023 年
综上，当代工艺美术的艺术性通过对材料、形式与观念的深度重构，成为了哲学探讨的重要媒介，将工艺美术推向对生命、时间与存在意义的追问。从形式美到精神超越，当代工艺美术在艺术性上实现了一种更为深刻的文化反思与哲学实践。在“薪技艺”展览中，艺术家们通过丰富的作品形式与深刻的观念表达，进一步深化了当代工艺美术的哲学内涵，使其成为现代社会文化反思的重要载体。在全球化语境下，当代工艺美术的艺术性愈发成为表达文化身份与探讨个体与社会关系的重要载体。李象群的漆雕塑作品《行者》便是这一主题的典范。作品以孔子的谦逊行礼为题材，细腻地再现了这一古代圣贤的谦卑庄重之态。通过雕塑对作揖动作的精确刻画，艺术家在静态形象中注入了动态的生命力，令孔子的形象如在眼前复活。这种静态与动态的融合不仅呈现了儒家文化的内在韵味，更以无言的方式传达了深厚的历史文化积淀。作者选用大漆这一传统工艺材料，将其与雕塑艺术结合，为作品增添了独特的质感与深邃的文化内涵。大漆的使用象征着中华文化的悠久传承，使作品成为连接历史记忆与当代文化思考的桥梁。孔子在作者的创作中不仅是文化符号，更是承载深刻哲学意涵的精神象征，穿越古今的旅人般持续影响着时代与人群。通过《行者》，艺术家在艺术表达的形式美感之外，触及了文化身份与人类精神传承的核心命题。张学龙的陶瓷作品《松林 · 滩涂——苍》则从个体记忆与自然景观的结合切入，通过陶瓷在高温烧制中的偶发性变化，呈现出时空交错的情感体验。作品以小兴安岭的自然景观为灵感，将个人记忆非线性化地融入陶瓷的形态语言之中。这种创作不仅体现了个体对自然记忆的敏感捕捉，还通过特定的文化意象唤起了观者的集体情感记忆。作品不仅凝炼了个体经验，也从社会记忆的角度提供了新的叙述方式。张学龙的情感化表达将工艺美术作品从单纯的物质生产升华为人与社会关系的隐喻，构建了人与自然、社会的情感桥梁。李象群，《行者》 《Spiritual Practitioner——Confucius》材质：天然大漆、玻璃钢尺寸：75cm×60cm×40cm创作时间：2024 年
张学龙，《松林·滩涂——苍》材质：高温陶瓷尺寸：78cm×46cm×9cm创作时间：2022 年
本次“薪技艺”策展人岳嵩的纤维作品《你和我》（系列之五）则以抽象而深具象征意义的方式探讨了个体与社会的交互关系。作品运用网状、半透明的纤维布条不规则排列，与底层丰富的色彩交错，形成了恍若宇宙空间般的视觉效果。这种视觉呈现既体现了“你”和“我”之间的关系，又通过层叠交织的纤维结构隐喻了个人与社会之间的交互性与依赖性。作品在光影交错的层次中难分你我，巧妙地引发了对微观与宏观、个体与社会的深层次思考。在这里，艺术家通过纤维材料的运用，以一种柔和但富有力量的方式，描绘了人与人之间的紧密联系与共同体意识，使观者在观赏过程中能够感受到一种关于共生与融合的哲学思考。同样是本次“薪技艺”策展人王晓昕的作品《萃聚》从中国古代哲学经典中汲取灵感，透过艺术形式深刻阐释了个体与社会之间的复杂关系。作品以《易经》中的“萃卦”意象为核心，将这一古老哲学概念转化为由无数个体形象手牵手聚合而成的整体形态。这样的设计不仅象征了人类在社会生活中彼此之间联系的深化，还隐喻了信息化和数字化背景下人与人之间空前紧密的互联关系。作品通过对个体形象的象征性叠加，表现了人类共同追求美好生活的力量与愿景，同时也传递出对社会共生的思考。艺术家以简洁但富有张力的方式，揭示了个体与群体、局部与整体之间的内在张力，为观者提供了对现代社会情感与文化认同的深刻反思。两位策展人通过不同的艺术语言与视觉策略，共同构建了关于个体与社会关系的多层次叙述。岳嵩的《你和我》（系列之五）以纤维的柔韧与结构的层叠，表达了对社会共生与个体存在的深入思考 ；王晓昕的《萃聚》则以哲学经典为基础，探讨了人与人之间情感与文化的凝聚力。两者不仅通过艺术性的表达触及了人类精神世界的深层，更以独特的视角探讨了文化身份、个体记忆与社会关系，为观众提供了丰富的审美体验与深刻的文化启示。岳嵩,《你和我》系列之五材质：化纤、综合材料尺寸：260cm×300cm创作时间：2020 年
王晓昕，《萃聚》材质：黄铜、金尺寸：47cm×47cm×25cm创作时间：2023 年
艺术性作为当代工艺美术的核心特质，超越了传统的形式与功能，将作品升华为叙述文化与探讨哲学的重要载体。在“薪技艺”展览中，艺术家通过对传统符号的重构与现代语言的创新表达，赋予作品丰富的精神内涵，展现了个体、社会与自然之间复杂而深刻的联系。从叙事性作品对社会议题的表达，到哲学性创作对存在与时间的探问，艺术性成为工艺美术连接传统与现代的重要桥梁，不仅体现了时代精神，更为文化反思与哲学实践提供了新路径。展览通过艺术性的多维呈现，为工艺美术的未来发展注入了强大的学术动力与创新活力。当代工艺美术的文化价值，不仅体现在对传统文化的展示与传承，更在于其对个体审美意识、文化认知与人文精神的多维培育。与绘画、音乐等多以专业创作为主的艺术形式相比，工艺美术的鲜明特点在于其实践性与参与性。这种人人皆可动手实践的特质，使工艺美术超越了单纯的审美欣赏，成为大众化的艺术体验。手工制作不仅是工艺美术创作的基础，更是文化传递与审美教育的重要媒介。通过简单的工具和材料，工艺美术能够广泛吸引公众参与，为艺术教育从精英领域向普及化转变提供了路径，使艺术从被动欣赏走向实践体验。“薪技艺”展览通过精心策划的静态展览，强调作品的观感与思想深度，为观众营造了一种沉浸式的审美与文化体验。例如，作品《钩织家园》以海洋垃圾回收材料为媒介，通过钩织艺术与人温感应技术的结合，呈现环保理念，并通过互动形式强化观众对环境议题的直观感知。这种突破传统静态展示局限的手法，使艺术作品成为社会问题的媒介和文化交流的载体，彰显了工艺美术在社会美育中的核心功能。同样，作品《正在消逝的……》以泥片工艺表现海洋浪潮的动态之美，并以动态变化隐喻生态危机。该作品通过符号化的艺术语言，使观众在欣赏形式美感的同时，思考环境保护与生态伦理的关系。这些展品在审美愉悦中融入文化教育功能，展示了工艺美术在提升公众审美素养与环境意识中的独特价值。张一璠，《钩织家园》材质：可回收毛线、纱线尺寸：直径 45cm（24 件）创作时间：2022 年
方丽雯,《正在消逝的》材质：陶瓷尺寸：32cm×29cm×35cm创作时间：2023年
尽管本次展览未直接设立工作坊环节，但艺术作品本身凭借其高度的参与性与情感性，与观众建立了深层次的情感联结。例如，作品《在云端——云朵》通过轻盈纤维材料构建柔和而静谧的艺术空间，利用光线的反射与材质的细腻表现，不仅带来视觉上的愉悦，更赋予观者精神上的慰藉。这种通过艺术本身实现的情感疗愈，为现代社会注入宁静与温暖。同样，作品《纯境》以纤维材料与手工编织技术为媒介，通过弱化象征性语言、强化肌理与表面互动，使观众在与作品的情感对话中找到内心的平静。这种基于作品与观者之间的情感交流的艺术体验，拓展了工艺美术的社会美育功能，使其成为文化教育的重要形式。韩锡茹，《在云端——云朵》材质：陶瓷尺寸：20cm×20cm×35cm，25cm×25cm×45cm创作时间：2023 年
韩钰，《纯境》材质：综合材料、毛线、明矾结晶、胶、纸、线、塑料、泡沫球、珍珠棉等尺寸：20cm×30cm（每件）创作时间：2023 年
更深层次的社会美育价值体现在工艺美术的艺术疗愈功能中。展览中的作品不仅以视觉形式营造美感，更通过蕴含的情感与思想内核，使观众在观赏过程中获得心理上的慰藉与精神启发。例如，作品《在云端——云朵》以其柔软的材质与轻盈的结构，营造出安静与温柔的艺术氛围，同时传递对生命与自然的深刻思考。在面对现代社会焦虑与压力的环境中，工艺美术为观者提供了回归内心与重新审视生活的契机。这种艺术疗愈特性，凸显了工艺美术在人文关怀中的深远意义。从多维策展设计到作品中的情感连结与艺术疗愈，“薪技艺”展览深刻挖掘了工艺美术的社会美育价值，展示了其在文化传承、审美教育与人文关怀中的综合功能。这种价值不仅是对艺术语言与形式的延展，更是一种超越视觉、文化与情感的教育实践。在全球化与数字化的语境下，工艺美术的社会美育功能为文化传承与社会和谐提供了新的可能性，同时搭建了艺术与公众互动的重要桥梁，成为连接历史、当代与未来的重要文化实践者。2024年“薪技艺”国际工艺美术巡展，以其严密的策展逻辑与深刻的艺术探索，系统展现了当代工艺美术的核心特征与学术价值。从物质性的本体论分析，到实验性的技术哲学探讨，再到艺术性在文化叙事与哲学思辨中的升华，这一展览以动态的叙述方式将传统工艺的符号系统与当代语境的复杂需求交织在一起。展览不仅彰显了工艺美术在全球化与数字化语境中的文化再生产能力，也为传统艺术形式的现代化转译提供了范式。尤为重要的是，工艺美术在社会美育中的角色不断得到重塑与拓展。其参与性与实践性，使得工艺美术超越了精英化的艺术语境，成为一种广泛的审美教育与文化关怀的实践形式。从材料的质感与工艺的细腻表达，到观念的哲学拓展与情感的社会回应，工艺美术以独特的媒介优势，建立起艺术与公众、文化与社会之间的多维联结。在这一过程中，工艺美术不再仅仅是文化记忆的承载者，而是文化身份与社会价值的积极建构者。未来，工艺美术的价值空间仍将不断延展，其作为社会美育工具和文化哲学载体的潜力将进一步释放。在生态伦理、社会融合与文化传承的命题中，工艺美术以其跨领域的表达和深刻的思想性，持续引领艺术与社会的深度互动。“薪技艺”国际工艺美术展所承载的不仅是当代工艺美术对传统技艺的尊重与再创造，更是一种超越时空的文化对话与哲学反思，为构建更加和谐美好的未来文化图景提供了重要启示。岳嵩，中国工艺美术学会纤维艺术与设计专委会执行秘书长，清华大学美术学院工艺美术系主任、副教授。责任编辑：张书鹏
文章来源：《装饰》杂志380期，中国工艺美术学会纤维艺术与设计专委会
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